民族新唱法与地方戏曲潮剧唱腔,是中国民族声乐的两种歌唱艺术形式,有各自的特点,也存在共性和联系。本文主要从形成与发展、唱法风格等方面,剖析两者的异同,对传承弘扬民族声乐、促进现代歌唱艺术的发展,提供借鉴和参考。

钢琴基本功的训练是平时的必修课,只有养成好的素养、习惯,才能更有效的学习钢琴。练习过程中还应注意弹琴的方法,正确的手型、均衡的触键、果敢的力量以及手指的灵活性才能达到弹琴收放自如、音色颗粒饱满的音响效果。

由于音乐风格、区域、民族特色、审美习惯、语言文化等因素,造成了美声唱法与民族唱法之间的种种差异化,形成了不同的艺术风格和声乐学派。美声唱法源于西方,是西方人极为推崇的歌唱方式,目前美声唱法以意大利为代表,具有西方特色和魅力;民族唱法具有独特的风格韵味,能体现我国传统民族文化和艺术的魅力。本文从歌唱艺术中的呼吸运用、嗓音运用、吐字、咬字运用三方面,探讨了美声唱法与民族唱法之间的相同之处和差异化,并分析了美声唱法与民族唱法在呼吸、发声、吐字咬字三种技巧上的融合。

本论文从舞剧《一把酸枣》的文化背景和创作手段出发,将其中饥童舞段的编创手法进行分类,并通过对叙事性舞剧以及民族民间舞蹈的学习和理解,将饥童舞段中对于编舞手法的运用、队形及动作的编排和舞段中运用的相关道具等进行探索。饥童舞段中孩子们在封建制度的社会背景下依然保持着纯真的笑脸,给观众带来了不一样的视觉效果。通过研究发现编导的编舞手法与编创特点,并在舞剧中去完善作品所需的情节。

汪立三先生的作品《东山魁夷画意》是他于1979年所写的钢琴组曲,此作品在1985年获得了"全国第四届音乐作品评奖"一等奖。这是一部诗情画意、创作新颖的作品。这部作品的灵感来自于日本画家东山魁夷的四幅同名风景画:《冬花》《森林秋装》《湖》和《涛声》。本文将对其中的一首作品《湖》进行着重分析。

在钢琴教学中,尤其是在基础教学中,老师们很少给学生传授关于钢琴踏板的使用技巧,只有在学生迫不得已需要使用到踏板时,才模糊地而且不系统进行指导。久而久之,就造成了学生们不会正确踩踏板。例如:有些学生为了让所弹的曲目感觉内容丰富,不管什么风格的乐曲前前后后都踩着踏板不松,更有甚者,个别学生还随便应用踏板来掩盖弹琴水平上的缺陷等,这些都是应该需要及时纠正的问题。

舞蹈是一种拥有悠久历史的艺术表现形式,而主题动作是根据音乐主题衍生而来的,是指一个舞蹈的核心动作,通过不断的重复动作来加深观众的印象从而表达舞者的思想。舞蹈编导是对舞蹈进行编制创作的艺术家,是一个舞蹈形成的关键人物。舞编、主题动作以及优秀舞者的结合,才能最好地诠释舞蹈的内涵,本文主要讲述舞蹈编创中主题动作的形成以及运用。

从当前来看,我国对传统民族文化正在大力地发展,中阮艺术也被逐渐地重视起来,在历史舞台上重新开展。中阮音乐不但音域宽广和音色独特以及变化多种多样,而且,还具有丰富的表现形式,在民族乐队中,能够将至关重要的作用充分地发挥出来。因此,针对中阮这种古老乐器,应该更好地进行发展。

现在被收藏在日本奈良的正仓院中的琵琶,是现在世界上唯一的一把唐代流传下来的五弦琵琶。五弦琵琶在中国的历史已经传习很久了,特别在唐朝时期,更是盛极一时,但已经失传很久。现在方锦龙先生在仿古的基础上,创新改造制作出来了新型的五弦琵琶。因此,现在提到新型五弦琵琶的挖掘、研究,不得不提到的是当代著名琵琶演奏大师方锦龙。方锦龙大师,在中国传统乐器的表演技巧的挖掘、创新上倾注了全部的心血和热情。他认为对于中国的民乐,首先是学习过去的艺术,然后在学习、继承的基础上进行创新、制作,因此,方锦龙根据史料记载挖掘、制作出来了新型的五弦琵琶。方锦龙更被誉为"当代五弦琵琶的代表人物"。正因方锦龙大师深厚的文化底蕴、非凡的艺术天赋,才使得五弦琵琶能有重新挖掘、发展的机会。

本文从舞蹈调度的角度切入,利用文本细读及数据分析的方法对《鸡毛信》的舞台调度进行研究。首先,笔者通过反复观摩视频,对作品的13个队形以表格的形式进行记录。其次,将《鸡毛信》调度按照构图要素划分进行具体数据分析。经研究笔者发现作品《鸡毛信》共运用4次线性调度,10次面状调度,18次点面结合调度。最后,通过《鸡毛信》的文本细读表格及数据分析成果,发现《鸡毛信》的舞台调度具有以下特点:舞台调度"凌乱"美;擅用空间层次突出表达人物情感;较多运用点面结合调度;舞台调度形状新颖等。

1950s的先锋派作曲家认为只要是过去的就是"落后",每当一个音乐类型成为时尚受到很多人习惯的时候也是它该淘汰的时候。音乐历史一直都是接连发展的,即使作曲家想要摈弃过去他们真的完全可以脱离原有的音乐基础要素,创作全新形式的音乐吗?笔者将选取三位先锋派有代表性的作曲家约翰·凯奇John Cage,埃德加·瓦雷兹Edgard Varese和皮尔·舍费尔Pierre Schaeffer的音乐创作想法为例去探究这一问题的答案。

"西域音乐"是人们对历史上通过古丝绸之路传到中原之后,外来音乐与汉文化交融之后的音乐称谓,随着丝绸之路纷沓而至的乐器、乐舞、音乐理论等的传入,及在中原地区的流播,它们对我国宫廷音乐和民间音乐都产生了一定的影响。本文以筚篥、成组的音乐形态为例,讨论汉至唐时期,西域音乐传入之后的流变以及发展规律,探讨其对中原音乐文化的影响。

在开展小学舞蹈教学的过程中,运用情境教学能够激发学生的舞蹈学习兴趣,从而提高课堂教学效率。在情境教学方法的应用过程中,教师应当注重通过有效的课堂内容设置让学生能够参与到课堂之中,并且通过多元的教学形式,促成学生知识和技能的双向发展,本文将主要以情境教学方法作为研究对象,探讨如何在小学舞蹈课堂中运用情景教学法。

八重奏《幻想曲》的艺术价值是卓越的。这不仅表现在其曲式构造与和声运动具有严密的逻辑性,更是爵士乐以及民族音乐的要素融合一体,形成具有个性化的现代和声音响,创造出新颖的和声语汇。

两年一度的"珠江杯"全国音乐教育专业基本功展示(又称五项全能比赛)可谓是高师音乐专业院校的盛世之会,对音乐教师的几项基本技能进行全方位的考查,不仅检验了各大高师院校音乐教学能力的高低,还提高了即将从事音乐教师这一职业的毕业生的业务水平能力。笔者作为观摩人员,有幸参与这一音乐盛会,通过此文得出思考。

在我国的格局文化中,《苍原》因其独特的地域特色和泛黄的历史感而成为经典,该格局主要阐述的是土尔扈特族回归祖国的那段历史,整部歌剧一改传统的蒙古族民间音乐高亢、嘹亮的风格,在岁月的清洗下扎根到草原文化之中,在华夏文明中蔓延开来。在另一方面,蒙古族的音乐向来以赞美草原、状物抒情为主,且节拍往往十分自由,编曲风格庞大而不失精致,并且有较大的可发挥性,其声调往往较高,声响嘹亮、声意悠远。但《苍原》这部歌剧,在蒙古族歌剧中一改传统风格,大有别树一帜的意思。该歌剧戏剧性的构思为框架进行布局,采取不同的方式对音调、和声乃至编曲进行创新,让格局能够因为戏剧性的建立而更加饱满。《情歌》的产生就是作曲家民族风格高度提炼下的一个产物,《情歌》作为民作曲家民族风格高度提炼的一个结晶,整部乐曲由舒缓悠长的慢拍、轻盈跳跃的三拍子快板和一个短小尾声组成,整部乐曲饱含抒情的气氛,并且具有充分的主题性质的歌曲,因此听起来浑然一体,贯穿全剧,可以说是一部声乐化和戏剧化并存的歌剧。

认同是文化研究中非常重要的理论视角,而音乐与文化主体间的认同关系也是音乐人类学研究的关键内容之一。二人转是东北地区最具代表性的一种民间艺术形式,承载了东北人民的文化记忆,反映了东北人的审美趣味,是东北人文化认同建构的重要元素。文章简要梳理了认同体系的发展脉络与其在音乐人类学中的研究范式,提出了将认同理论用来研究东北二人转的新视角,并说明了该研究视角的可行性与必要性。

美声是西方声乐艺术的主流唱法,于20世纪初引入我国,一百多年来,在一代又一代艺术家的传承努力下,得到了极大的丰富和发展。然而,受到各种各样原因的限制,尽管美声歌曲有着十分优美的旋律,却并不被当今社会大多数人所接受,仍然属于小众化作品。这种情况与美声歌曲在艺术界的崇高地位是不相匹配的。本文从美声歌曲的发展及特点入手,深入分析了美声歌曲大众化的现状及矛盾,围绕如何发挥美声歌曲优势,更好地传承和发展美声歌曲提出了针对性的意见建议,希望能够为改变美声目前的窘迫状况提供一些借鉴。

音乐作为当今世界上通用的语言,可以最形象生动地表现出创作人的情绪感受,使听众同创作人一起进入作品所表现的故事中,体会其中的喜怒哀乐。而合唱作为音乐的重要类别,作用向来不可忽视。合唱可以展现出独唱不能拥有的磅礴气势,并且能够紧跟社会发展步伐,着力表现时代精神,突出人文主题,在群众性、艺术性和民族性的融合中彰显审美品格。[1]当代合唱作品发展至今,已经拥有较为完备的创作表演体系,同时合唱作品的创作也开始寻求新的突破。本文将对当代合唱作品创作研究进行具体分析,并提出可以促进合唱作品创作提升的有效措施。

当今时代的人们在审美时渴望满足体验经济对于感官、互动、参与、个性化等的需求。在多元文化交汇的大环境下,"沉浸式音乐"成为前沿与主流,部分音乐逐渐改变了最初以"纯听觉艺术"为主旨的艺术形态,一方面更强调现场实时的表演行为对于内容及结构的影响,另一方面则逐渐与其他艺术门类相融合,强调视听一体化的进程中产生了不同的样式与体裁。本文分析了沉浸式音乐效果其众望所归的原因,探讨了应用手段,尝试对音乐作品的分析、对作曲家们创作思路采访进行了总结归纳。笔者认为沉浸式音乐效果,或者说沉浸式多媒体产业是大势所向,所以不论这种音乐本身还是沉浸式多媒体产业中的沉浸式音乐效果要素,都是值得我们挖掘、讨论,并且充分学习。